Color: Theory and Practice

Cor encanta!
Porém desgostam-me os testes onde tenho que decidir a cor mais amada e a mais odiada. Não existem. Mulher de fases cada dia gosta de uma.
Cores outonais me atraem muito, a natureza em festa no verão e primavera idem, brumas cinzas e marrons também...
Preto como dizia o pintor é a "rainha das cores",  branco luz total!
Contudo quando entramos na teoria...Complica.
Nada como encontrar um vídeo super didático. Divirta-se com:
The Painter's Color Wheel with Clones!


Descomplicado pela coreografia vamos aos conceitos.

Cores Primárias
São cores puras - vermelho,  azul e  amarelo. Não podem se decompor em outras cores, mas quando combinadas produzem cores diferentes das originais.
As cores primárias não são uma propriedade da luz, mas um conceito biológico, baseado na resposta fisiológica do olho humano à luz. Este grupo de cores está no Círculo ou Disco Cromático das Belas Artes - RBY ( Red, Blue, Yellow).
Este disco é uma convenção utilizada na pintura acadêmica clássica e teoricamente estas cores podem originar todas as outras. Também é conhecido como Roda de Oswald.

Entretanto ao misturarmos fachos de luz coloridos o resultado é  diferente da mistura de tintas ou pigmentos.
A cor-luz origina-se diretamente de corpos luminosos. Exemplos: luz do sol, das estrelas, de lâmpadas, de monitores (de computador). A cor-pigmento é luz refletida pelo corpo, fazendo com que o olho humano perceba esse estímulo como cor. Desta forma pintura e outras artes plásticas baseiam-se na cor-pigmento.Fotografia, cinema,televisão e a arte eletrônica baseiam-se na cor-luz. A mistura de cores luz é chamada de mistura aditiva e a mistura de cores pigmento é chamada de mistura subtrativa.

Cores Aditivas ,  Sistema Aditivo ou RGB ( Red,Green e blue)
Trabalhando  a partir da ausência de luz (preto) podemos adicionar cores de luz para formar outras. .Vermelho, verde e azul são cores aditivas. Aos pares elas formam ciano ( cyan), magenta e amarelo ( yellow) - cores secundárias da luz. Se adicionarmos a luz das  cores primárias aditivas em intensidades iguais obteremos a luz branca.
As cores aditivas são base do Disco Cromático Luminoso.

Cores  subtrativas ou CMYK ( Cyan, Magenta, Yellow e Black key)
Ao colocamos uma tinta amarela sobre um papel branco o resultado prático é tingir o papel de amarelo. Entretanto o amarelo estava lá. O papel branco estava refletindo todas as cores da mesma forma.
A tinta amarela reflete apenas vermelho e verde, mas rouba ou subtrai o azul do branco. Toda cor de tinta subtrai a sua cor complementar da luz ( branco).
Cian: Absorve a luz vermelha e permite reflexão de azul e verde.
Magenta: Subtrai verde e permite refletir vermelho e azul.
Amarelo: Absorve azul e permite reflexão de vermelho e verde.
Combinando cian, magenta e amarelo, aos pares, teremos vermelho verde e azul.
Misturando estas três cores resultantes há absorção de todas as cores da luz e obtemos o preto.
Estas cores são a base do Disco Cromático da Industria Gráfica.

Se as cores puras também chamadas de primárias  são azul, vermelho e amarelo outras resultantes das suas combinações podem ser classificadas em Secundárias e terciárias. Existem ainda as análogas, complementares e triádicas.

Cores Secundárias

Obtidas na mistura entre cores primárias.

Cores terciárias

Obtidas da mistura entre primárias e secundárias.

• Laranja: Mistura do vermelho + amarelo 
• Oliva: Mistura do verde + amarelo 
• Celeste: Mistura do azul + ciano 
• Violeta: Mistura do azul + magenta 
• Rosa: Mistura do vermelho + magenta 
• Turquesa: Mistura do verde + ciano

Cores Análogas

São as cores que estão lado a lado no círculo cromático. Possuem uma cor básica em comum.

Cores Complementares.

São as que estão nos lados opostos do círculo cromático.

Cores Triádicas e Monocromáticas
Triádicas são cores equidistantes no Círculo cromático. Por exemplo laranja, verde e violeta. Escala monocromática se refere às várias tonalidade de uma  cor, da mais intensa ou escura  à mais luminosa.


Com a prática incorporamos as combinações para obter as cores desejadas, entretanto uma tabelinha sempre ajuda...

Conceitos

Matiz: Entendido como cor propriamente dita  é o estado puro da cor, sem adição de preto ou branco. A propriedade que permite  distinção entre uma cor e outra. Quando falamos em tom estamos descrevendo  a luminosidade ou escuridão relativa.

Escala de Valores

Na pintura representativa a escala de valores  é mais importante que as cores em si. A transição entre luz e sombra representa a tridimensionalidade das imagens
O contorno, a forma e os tons ou valores tonais, quanto claras ou escuras as cores são, definem uma figura.
Escuridão e luminosidade das cores interagindo formam uma estrutura e orientam o olhar para dentro e fora da pintura.  Proporcionam o movimento, pois o olho segue a luz.

Valor Tonal: Entende-se como a luminosidade, claridade ou brilho da cor. Cores que refletem muita luz ( ou claras) tem alto valor tonal. As que absorvem mais luz são as de baixo valor tonal. também pode ser entendido como a quantidade de branco e preto numa cor.

Chroma ou Saturação: Refere-se à intensidade da cor ou matiz.  Quanto mais pura, mais saturada. A medida que é misturada com outra cor a vivacidade  diminui. ela desbota e fica mais cinza.  saturação pode ser entendida como a quantidade de cinza que uma cor contém. Quando a cor é misturada  (ou neutralizada) com a sua complementar tende para tonalidade cinza.
Para diluir misturamos a cor com branco gradativamente. Para escurecer (sombra) miaturamos com preto  ou uma segunda cor que pode ser a complementar.

Poder Colorante: Existem pigmentos, como carmim de alizarina e azul ftalo que tem capacidade alta de tingir o branco. Outros como amarelo ocre e verde óxido de cromo  tingem fracamente o que exige um volume maior para colorir o branco.

Referências:  Mistura de Cores, Ian Sidway;  Drawing an Painting, Thames &Hudson; Pintura Abstrata, Pairramon Paidotribo; Portal do Marketing; Curso de Silk Screen; Nou Nou Du Nord; Pinterest; Cultura UFPA;

Black - To paint or not to paint

Noir Wood by Spalenka created for the Roxana Illuminated Perfume
Se fosse um artigo sobre alta moda seria sacrílego renegar o preto. Entretanto muitos  professores de arte abandonam a nobre cor.
O que se diz é que preto e cores terrosas podem " sujar" a pintura. "Lamear" ou "enlamear".
E eu que  tenho xodó pelas cores preta e  terrosas ?
Ao levantar a questão ouvi sugestões para escurecer...ou "pretejar" (hehehe) as sombras nas minhas pinturas. Por exemplo adicionar ao vermelho profundo ou ao azul um pouco de marrom bem escuro...realmente fica bonito.
Usar alguns azuis ou vermelhos  sem diluição...Professores da atualidade preconizam o uso das cores puras primárias,e também as de valores altos (claras).
Correto! Tem muita lógica partir das cores puras. Porém  existem vários pretos comercializados ( Lamp Black, Ivory Black, Mars Black), logo artistas ainda usam...então vamos entender o preto!

Black Pigments (science of colours) Preto

Obviamente a mais escura das cores, pois representa a ausência total ou parcial da luz ou seja a escuridão.  A luminosidade,  por sua vez se expressa em branco.
É a impressão visual que temos quando nenhuma luz visível atinge o olho, proporcionada por pigmentos ou corantes que a absorvem,  ao invés de refletir (look black).
Pigmentos combinados em proporções ideais podem resultar em preto pelo fato de refletirem pouquíssima luz.

Anubis - Protetor do túmulo de Tutankamon
Esta cor controversa  simboliza elegância, luto (no ocidente), magia e segredos.  Obscuridade  que pode ser associada ao mal, ou ao mistério.
Gregos cultuavam como  cor da fertilidade simbolizada pelo solo negro.
Na antiga Roma preto era a cor usada nas vestes de artesãos.
Alemães e escandinavos antigos consideravam corvos animais sagrados, os  arautos e espiões de Odin

Lascaux cave painting - Hall of Bulls, 15.000 A.C.
A palavra vem do inglês antigo - Blaec (escuro ou tinta), e encontra paralelo em outros idiomas europeus antigos designando o escuro ou queimado ( carvão?).
Gregos denominavam preto - Kuanos - para indicar escuro ou queimado e também a cor  azul escuro.
Interessante é que pinturas das cavernas são os primeiros registros do uso de preto, através de carvão, ossos queimados, ou pó de óxido de manganês.
Existe preto na natureza!

Georgian calligraphy, 1798
Pinturas da Idade Média representavam o mal através do preto que igualmente simbolizava poder e sigilo. Nos séculos XII e XII monges beneditinos usavam preto para expressar humildade.
Com a invenção de tinta preta na China a cor foi amplamente adotada na escrita desenvolvendo a arte da caligrafia.
Particularmente gosto de tinta nanquim ou tinta da China. Usei na infância para escrever, e na idade adulta na prática laboratorial em Análises Clínicas.

The New Zealander by Gustave Doré, 1872.
Iluminismo no século XVIII enterrou a cor preta , colocando tons pastéis em evidência. Foi ressuscitada na revolução Francesa.
Gustave Doré retratou Londres enegrecida pela fumaça do carvão na época da Revolução Industrial; e no romantismo preto melancólico vestia poetas e artistas, geralmente combinado com uma camisa branca.

Mr. Darcy (Matthew Macfadyen), Pride and Prejudice
Lindo contraste...Sugiro admirar o personagem Darcy de Orgulho e Preconceito numa cena icõnica entre brumas cinzentas, vestindo cinza escuro, e terroso marrom. Tudo pontuado pela luz do sol nascente. Ahh...um clássico!

Whistler's Mother by McNeil Whistler
No século XIX James McNeil Whistler pintou Whistler's Mother em preto e cinza enquanto Paul Gauguin bradava "rejeite o preto"
Édouard Manet,  nas palavras de  Henri Matisse que também usava preto, " fez luz com preto"!

Two Girls in Black by Pierre August Renoir,1881
Pierre-Auguste Renoir tentou usar misturas de vermelho e azul, mas gostava mesmo era do ivory black.  Declarava que preto era a "rainha das cores"
Enquanto os impressionistas  subvertendo os conceitos tradicionais de arte, chamados de "pintores da luz", aboliam o preto,  uma das primeiras obras abstratas foi construída em negro... Kasimir Malevich pintou Black Square em 1915.

Wheat Fields With Crows by Vicent Van Gogh
Vincent van Gogh usou preto em corvos e objetos.
Finalmente, preto foi a cor símbolo do anarquismo...
Black is beautiful!
E como dizia Coco Chanel:
-"A woman needs just three things; a black dress, a black sweater, and, on her arm, a man she loves."
"Uma mulher precisa de apenas três coisas: um vestido preto, um suéter preto e, no braço, um homem que ela ama."

Para ler ou pintar, talvez vestindo preto na paleta ouça...

JAZZ, SOUL Y BLUES FEMMES
Referências: Wikipedia, Cozinha de Pintura.

Dammar Gun

"Mediuns" de pintura  englobam uma gama de substancias que basicamente sevem para diluição das tintas e acabamento das telas pintadas.
Hoje fui ao comércio local à procura de verniz cristal ou verniz dâmar para dar acabamento à minha primeira telinha. Conforme a literatura online nacional,  depois de um mês de finalizada,  a tela deveria estar seca o suficiente para receber uma camada de verniz protetor.
Não encontrei  vernizes importados, nem para saber preço...rsss e acabei com o verniz cristal nacional.
Entretanto como a curiosidade matou o gato...
Acabei descobrindo que o indicado pelo fabricante é um ano de secagem da tela. Obviamente depois que apliquei.  Aparentemente não estragou nada...espero!

Bubuk Dammar
Dammar Gum

Resina ou goma dâmar é obtida diretamente da árvore ou fossilizada do solo.
No primeiro caso sua cor é amarelo pálido. Quando extraída da terra pode ser marrom acinzentada.
De consistência mediana, a obtida através de Singapura é  transparente,  em pedaços cor de palha com camada exterior fina, branca e farinhenta.

Pode ser obtida da Índia, Indonésia e  Leste Asiático geralmente proveniente da casca de Agathis Dammara  (árvore Kauri) da família Dipterocarpaceae.
Dammar é palavra malaia que significa resina ou tocha de resina.
Usada para fabricar incenso,verniz, laca, revestimento de vidros,tintas, plásticos, medicamentos, materiais odontológicos, álcool, cola. Também como  agente de turvação de alimentos ou misturada à parafina para fazer batik, e  no passado para calafetar navios adicionada ao piche ou betume.
Aos artistas seu interesse se deve à produção de verniz que pode ser adicionado à tinta durante a execução ou aplicado na tela após finalização e secagem.

Verniz Dâmar

Segundo um site de vendas  prepara-se o verniz misturando aproximadamente 200g a 300g da resina com 600ml de terebentina ou aguarrás.

- Coloca-se a resina num saco de algodão de trama fina, que depois de bem fechado será mergulhado na terebentina.  A resina se dissolve em 24h à 48h e as impurezas ficam dentro do saco.
- Após espremer bem o tecido para retirar todo verniz dâmar é aconselhável uma segunda filtragem em tecido de algodão ou musselina para que fique bem transparente e puro.

Obs: Estes solventes devem ser manipulados ao ar livre ou em local bem arejado pois sua inalação pode ser prejudicial à saúde.

Muitas  marcas tradicionais vendem o verniz  dâmar pronto. As resinas disponíveis em pedaços são Singapura e Batavia, sendo a última considerada de melhor qualidade. Vernizes modernos podem usar outras resinas e espíritos minerais ou destilados de petróleo como solventes.

Dicas

- Não aplicar o verniz dâmar antes de 6 a 12 meses de secagem. Se quiser proteger a tela antes disto é aconselhável usar o verniz de retoque que é mais diluído.
- Aplicar na vertical indo de uma extremidade da tela à outra, em traçados paralelos.
- Em seguida sem carregar o pincel de verniz  refazer os movimentos na horizontal, para espalhar bem.
- Separar um pincel de qualidade e cerdas macias apenas para aplicação de verniz.

Vernizes

Aplicados com pincel, ou em aerossol os vernizes de acabamento evoluíram e diversificaram.

- Dammar Varnish ou Verniz de Dâmar, diluído em terebentina é tradicional e confere bastante brilho.

- Artists' Gloss Varnish ou Verniz Cristal é protetor e o mais usado atualmente.

- Matt Varnish ou Verniz Mate proporciona acabamento mate

- Wax Varnish ou Verniz de Cera também proporciona acabamento mate sendo removido com mais facilidade.

Aerossols são vernizes idealizados para proteger com grande transparência, não amarelar, e ser facilmente removíveis

* Verniz Copal, Verniz Mastique e Verniz de Âmbar estão praticamente em desuso. O Copal pelo endurecimento e dificuldade de retirar. Âmbar pela raridade e alto custo. Mastique pela tendência ao craquelamento.


Referências : Wikipedia;  Arquive.org; Fernando Fujiwara; oKeef Arts; Good gallery; 

Cubism

Pablo Picasso, 1910, Girl with a Mandolin
Pablo Picasso é um ícone, mesmo para quem não se interessa pela pintura.
Grande número de pessoas ouviu falar de Picasso. Percentual menor ouviu sobre George Braques ou Paul Cèzanne.

Paul Cezanne -Les Grandes Baigneuses - 1894-1905
Este francês, Cèzanne (1839-1906), transitou entre impressionismo e cubismo, representando formas da natureza através de cones, esferas e cilindros.
Pablo Ruiz Picasso, pintor espanhol,  influenciado pelo mestre, fundou ao lado de George Braques o verdadeiro cubismo.

Pablo Picasso - les Demoiselles D'Avignon
Dentre suas obras mais famosas estão Guernica (1937), pintura sobre o bombardeio alemão de Guernica durante a Guerra Civil Espanhola; e Les Demoiselles d'Avignon que retrata cinco prostitutas nuas de uma casa na rua Avignon em Barcelona.

Andre Lhote - 14 de julho em Avignon
Cubismo desconstrói um objeto e representa-o em todas suas dimensões através de figuras geométricas,  num único plano.
Não existe preocupação em fidelizar a aparência real das coisas. Todos os ângulos e volumes são representados no mesmo plano.
Vários artistas, precursores da arte moderna, evoluíram para o Cubismo passando pelo Fauvismo   caracterizado na oposição à regra estética impressionista, que vigorava na época.

Fases do Cubismo

Andre Lhote, Portrait of Anne 1930 - Cubism
- Cézanniano ou Pré Analítico:  Também considerado Cubismo Primitivo se restringia a representação por formas geométricas.

Robert Delaunay, Simultaneous Windows on the City
- Cubismo Analítico: A imagem é decomposta e representada num único plano, de forma geométrica com tal singularidade que o objeto verdadeiro quase foge a percepção. Esta distorção a torna praticamente abstrata. Predomina o uso de poucas cores, principalmente  preto, cinza, marrom e ocre.

Picasso,Three Musicians - Sinthetic Cubism
- Cubismo Sintético: Percebe-se uma tentativa de inserir o objeto novamente dentro da realidade. A inovação está nas colagens de diversos materiais que induzem sensações táteis além de visuais.

Robert Delaunay, Torre Eiffel
Do Cubismo também surgiu o lírico Orfismo, movimento efêmero que marcou a pintura  alemã . Estabelecia  correlação com a música e privilegiava o uso de cores como principal meio de espressão artística.
Na arte moderna, Abstrato Geométrico, Naif Art e Pop Art detém algumas características do Cubismo, embora críticos não as reconheçam como tal.

Romero Brito

El Vagabundo -Painting by Emanuel Ologeanu

Georgy Kurasov

Tommervik
Referências textuais: Wikipedia; Arte Cubista; Guggenhein; Info Escola

Renaissance - Paintings Techniques

La Gioconda  por Leonardo da Vinci, 1506
Quatro sistemas de coloração, ou cânones  surgiram no alto do Renascimento, cada um marcando o trabalho de grandes mestres:- Sfumato ( leonardo da vinci); Chiaro-oscuro ( Raphaello Sanzio e Sebastiano del Pombo); Unione ou Degradèe ( Raphael  Sanzio) e Cangiante ( Michelangelo Simoni)

SFUMATO

Características de Mona Lisa: 1. Fita o observador,2. recurso chiaro-oscuro,  3. sfumato, 4.imagem piramidal onde as mãos são a base e a cabeça o vértice.
Do italiano "sfumare", que significa "de tom baixo" ou "evaporar como fumaça". Recurso canônico geralmente aplicado em pinturas e desenhos. É utilizado para que riscos ou pinceladas desapareçam e reste apenas um degrade da cor. Amenizando contornos ajuda a tornar a imagem bastante nebulosa, constituindo uma forma sutil de sombreamento.
Quando utilizados grafite, carvão ou pastel seco, artistas costumam usar os dedos para esfumar. Ferramenta útil é o esfuminho; um tipo de pincel (ou lápis) com tufo de algodão na ponta (cotonete ?). O esfuminho evita que a oleosidade da pele interfira com o medium de pintura.
Com tintas líquidas ou cremosas são indicados os pinceis macios, geralmente do tipo filbert,  de pelos delicados,  naturais ou sintéticos.
Alguns artistas lixam a superfície pintada entre uma camada e outra.
Leonardo da Vinci pioneiro nesta técnica aplicava-a com maestria  para evitar  percepção de linhas de transição entre luz e sombra mostrando uma perspectiva linear altamente realista. Como é visto no famoso La Gioconda (Mona Lisa).
Afirmava que " luz e sombra devem se misturar sem linhas ou bordas, de maneira que desapareçam gradualmente como fumaça".


CHIAROSCURO

Chiaro-oscuro , do italiano significando claro e escuro, é reprodução  de luz e sombra e a interação entre um e outro, criando efeitos dramáticos,  quando estas variações de valores são usados.
A eliminação gradual de luz ou sombra e o crescente da cor,  a medida que os objetos se distanciam do fundo,  criam a perspectiva atmosférica.
Nas imagens bidimensionais o forte contraste entre claro e escuro cria luz e sombra forçando o olhar do expectador em determinada direção ou ponto focal. Esta condução e realce através do plano de imagem  cria ilusão de profundidade,  apresentando-a como tridimensional.
Da Vinci afirmava que o estudo de sombra e luz é mais complexo que o das linhas e contornos, pois estas podem ser copiadas através de um véu ou vidro colocado na frente do objeto pintado. Por outro lado o sombreamento não admite linhas precisas e necessita de ampla gradação e mistura de cores.
Nosso olho é fototrópico, vê primeiro a luz, logo a imagem de valor mais leve é vista primeiro.  Os valores de luz aumentam quando contrastam com valores escuros. Estes recuam se o contraste é minimizado.
Quando se quer que o objeto apareça distante na imagem  são diminuídos os contrastes para que simule-se que estão desaparecendo.
Leonardo da Vinci dizia que ..." quanto mais longe o objeto estiver, mais azul ele será".
Contraste entre claro e escuro dá enfase à determinado objeto conduzindo o olhar para ele.
A criação desta técnica foi atribuída ao pintor ateniense Apollodoro,  no início do Século V.  Antes de Cristo (A.C.)

UNIONE OU DEGRADÈE

A Bela Jardineira de Rafael Sanzio di Urbino 
Significa união de planos, onde as bordas são bem acabadas sem o enfase dramático do escuro contra luz ou da  luz contra escuridão. O artista se esforça para criar uma unidade fluida. As bordas de uma pintura são estabelecidas por um gradiente de cor, pela mistura suave nos seus limites proporcionando um efeito geral brilhante e unificado
Neste caso a competência é demonstrada pela amplitude de tonalidades. Para obter um resultado agradável é necessário criar um esquema, ou chave tonal, correto.
Ao analisarmos a imagem, se o valor  ou tom determina quão clara ou escura é determinada área, a chave é encontrar uma escala tonal correta.
Isto fortalece a interação na composição proporcionando  o impacto emocional da imagem.
Quando se usa o degradèe a imagem se apresenta principalmente em tons claros sem as excessivas sombras escuras que são vistas em chiaroscuro.
Ocorre transição gradual e imperceptível  no ponto em que luz e sombra se unem. As cores são mais brilhantes e harmoniosamente equilibradas. É uma técnica de cores sem linhas duras,  que se mantém vibrantes apesar  de eliminar fortes contrastes tonais.
Rafael criou esta técnica quando procurou usar as qualidades do sfumato sem perder a vitalidade das cores.

CANGIANTE

No italiano cangiare significa mudar e resolve um problema que pintores sentem quando usam uma paleta de cores limitada ou restrita.
Criar contrastes de luz e sombra em cores como preto e cinza o resultado pode ser monótono. A solução  para quando o artista pretende clarear ou escurecer uma cor de forma mais vibrante foi mudar a tonalidade  trocando ou adicionando cor.
Desta forma consegue valores  mais intensos para o claro ou o escuro do que utilizando apenas a cor original.
Técnica criada por Giotto em (1266 -1337), foi muito detalhada por Cennino d'Andrea Cennini no Libro d'ella Arte.
Exemplo disto são as experiências citadas para sombrear tons de carne com azul ultramarine e terre verte.
Assim pretos e brancos podem ser trabalhados com várias cores enquanto cores puras  podem ser mesclada à pigmentos de cores análogas.
Adicionando novos tons à cores  pode-se alcançar valores mais vivos e interessantes.


Referências para Consulta:
The Modes of Coloring in the Cinquecento; What are the characteristics of renaissance art; Color and Meaning;  Practice and Theory in Renaissance Painting ; Color and Meaning: Practice and Theory in Renaissance Painting;Ten Steps—A Course in Botanical Art & Illustration-Volume 1;  My Art Teacher.

Naif Art

Exotic Landscape, 1910 by Henry Rousseau
Pintores da Renascença estabeleceram três regras definidas de perspectiva:
- Diminuição progressiva dos objetos proporcional a distância.
- Modificação da cor  com a distância ( lembrem Da Vinci...quanto mais longe, mais azul parece).
- Diminuição dos detalhes com a distância.

Kunst Malerei
Arte "Naif", "Naïve" ou Ingênua, algumas vezes  relacionada com primitivismo, desrespeita graciosamente estas definições.
Adota um estilo geométrico cuja perspectiva foge aos padrões; a  liberdade estética, dimensões oníricas e cores ornamentais  aproximam dos conceitos de  desenho infantil ou medieval.

 Catriona Har - Raiding The Rosehips
Simplicidade substituindo a sutileza, liberdade  pictórica  fugindo das convenções acadêmicas, precisão nos detalhes em todos os planos da composição, padrão definido de cores e limites,   a princípio,  caracterizam a Arte Ingenua.

Surprise! by Henri Rousseau
Considerada até o princípio do século XX como expressão  de pintores autodidatas, sem formação acadêmica, hoje é um estilo reconhecido e praticado pela pintura formal.
Artistas profissionais  incorporam aspectos deste estilo e praticam o naivismo. Algumas vezes denominado pseudo naivismo ou arte infantil autoconsciente.

Paul Corfield
As características comuns nas expressões da Naif Art são:- Inexistência de perspectiva ou bidimensionalidade; uso de cores fortes e/ou contrastantes; temas alegres e pueris; espontaneidade; tendência a simetria e representação da natureza.

Paul Gauguin
Exemplos famosos estão nas composições de  Paul Gauguin, Mikhail Larionov, Paul Klee.
Henri Rousseau ( Le Douanier, 1844-1910), pós impressionista francês, funcionário de alfândega, é considerado precursor oficial da arte após seu trabalho ser catalogado por Paul Signac,  e exposto em várias galerias de renome.

Parc des Oiseaux - Alan Thomas
Seguido por Alfred Wallis e nomes expressivos como  Gary Bunt, Lyle Carbajal, Jonathan Kis-Lev, Gabe Langholtz, Gigi Mills, Barbara Olsen, Paine Proffitt, e Alain Thomas, artistas contemporâneos ingleses.

Ronaldo Mendes
Também se destacam na comunidade internacional  Pilar Sala (Argentina, Adrie Martens (Holanda), Nadia Senyczak (Bélgica), Angeles Camacho (Espanha) e Ronaldo Mendes (Brasil).

Museu Internacional de Arte Naif ( MIAN) - Rio de Janeiro, Brasil
Museus especializados em Naivismo proliferam mundo afora. Vemos exemplos em Kecskemét, Hungria; Riga, Letónia; Jaen, Espanha; Rio de Janeiro, Brasil; Vicq, França.

Quixote de Rogério Dias - Brasil
Presenciamos algumas características de Naïve Art  em outros estilos como o Geométrico Abstrato, ou Cubismo evidenciando  que arte contemporânea se renova, conjuga ou  desmembra em muitos caminhos.

Naif Art

Carlos Rivero - Venezuela

Lowell Herrero

Oraphat da Tailândia.

Lilian Suzett

Henri Rousseau - The Repast Of The Lion